Francisca Amigo Moraga sobre “Norte claro, sur oscuro” y la decisión de filmar su historia familiar

• La cineasta de Cauquenes habla del regreso a la casa donde creció, de cómo cuidó la intimidad de su familia durante el rodaje y de la decisión de incorporar su voz en off. Su primer cortometraje tendrá su estreno mundial en FIDOCS 30.

Francisca Amigo Moraga pensó primero en hacer una película sobre su mamá. Cuando se sentaba a escribir, volvía a aparecer la figura de su papá. El proyecto tomó forma con el regreso a la casa familiar en Cauquenes, vacía desde la muerte de sus padres, donde volvió a vivir junto a su hermano Roberto durante el rodaje.

“Norte claro, sur oscuro” (Chile, 2026) es su primer cortometraje documental y su obra de egreso de la Universidad de Chile. Producida por Javier Vásquez Ampuero, la película combina el registro de Keitlyn Aránguiz, directora de fotografía y coguionista, con las imágenes que Francisca filmó con su handycam.

Antes del estreno, Francisca conversa con Bitácora de Cine sobre lo que decidió filmar, lo que prefirió dejar fuera de campo y lo que encontró en el montaje. Javier se suma a la conversación para contar cómo el equipo está pensando la circulación del corto.

¿Cómo nació la decisión de hacer esta película y en qué momento sentiste que volver a la casa familiar podía ser el punto de partida?

La idea de hacer esta película surgió inicialmente desde el deseo de hacer algo sobre mi mamá. Sin embargo, cada vez que me sentaba a escribir aparecía la figura de mi papá reclamando un espacio dentro de la película, hasta que poco a poco terminó convirtiéndose en una historia sobre él y sobre mí, pero también sobre la relación con mi hermano.

Desde mi lugar como realizadora, sentía que tenía la posibilidad, pero también la responsabilidad, de hacer una película sobre una historia muy sencilla y muy nuestra, de la que probablemente nadie más haría una película. Vengo de Cauquenes, de una familia que no pertenece a los espacios tradicionalmente representados en el cine, y haber tenido la posibilidad de estudiar esta carrera me parecía una oportunidad para contar historias que conocía de primera mano. Creo que las historias pequeñas, cotidianas, son también las más valiosas y que no necesitamos experiencias extraordinarias para construir una película.

El regreso a la casa ocurrió en un momento en que algo estaba cambiando en mi relación con ella. Después de muchos años, comencé a botar algunas cosas y me di cuenta de que también estaba cambiando mi percepción sobre los objetos y el espacio. Sentía que había un duelo más maduro y que esa casa comenzaba a ser también mi casa. Quería hacerla más mía, sin sentir culpa por transformar un lugar que durante mucho tiempo había sentido que pertenecía exclusivamente a mis papás.

La casa tiene las huellas de toda mi infancia y adolescencia, pero también las de mi papá, que la fue construyendo espacio por espacio con sus propias manos. Sus manchas, sus paredes y pisos chuecos, las maderas mal puestas y los lugares por donde entra el frío son recuerdos de algo que se vivió allí. Para mí, volver a ella también significaba comenzar a relacionarme de otra manera con esa historia y con ese espacio.

En tu nota de dirección hablas de abordar una historia dolorosa y, al mismo tiempo, hacer una película luminosa. ¿Cómo se tradujo esa búsqueda en las decisiones del rodaje y del montaje?

Para mí, la búsqueda de hacer una película luminosa tiene que ver con algo que he ido comprendiendo con los años: una historia puede ser profundamente dolorosa y, aun así, contener ternura, cariño, humor y momentos de mucha alegría. No quería que la película negara el dolor, pero tampoco quería que este ocupara todo el espacio. Me interesaba encontrar otras dimensiones de nuestra historia familiar que también eran importantes y que, de alguna manera, habían sido fundamentales para poder construir nuestras vidas.

En ese sentido, la relación con mi hermano fue central. Durante la investigación y la escritura intenté encontrar algo positivo en mi relación con mi papá, pero no logré hacerlo. En cambio, me di cuenta de que había algo muy importante en la relación con Roberto: los dos habíamos heredado patrones familiares que venían de mucho antes, pero habíamos logrado construir una relación muy distinta. Para mí, él ha sido una referencia de cariño, cuidado y respeto, y creo que esa relación también me permitió conocer otras formas de vincularme con las personas.

Durante el rodaje hubo decisiones concretas que nacieron de esa búsqueda. Por ejemplo, le pedí al equipo que no nos grabara llorando. Tuvimos conversaciones muy intensas con mi hermano, pero sentía que esos espacios nos pertenecían y que no necesitábamos exponerlos para que la película pudiera hablar de nuestro dolor. Me interesaba trabajar con la ternura y el afecto desde otro lugar, sin tener que mostrarlo todo.

Creo que esa luminosidad también está relacionada con la posibilidad de resignificar los espacios y los objetos, de construir una relación distinta con aquello que nos duele. No como una fórmula para superar las experiencias difíciles, sino como una posibilidad que apareció en mi propia vida después de muchos años y gracias también a las personas que estuvieron conmigo. Me interesaba que la película pudiera contener esas contradicciones, porque creo que el dolor y el amor no necesariamente se anulan entre sí.

Trabajaste con una cámara que los observa y una handycam con la que tú registras la casa y a Roberto. ¿Qué te permitió esa combinación al ser, a la vez, directora y parte de la historia?

La idea de trabajar con dos cámaras fue apareciendo durante el proceso de investigación. Había algo que para mí era importante: sentía que, al tratarse de una película tan personal, había elementos de la casa que yo podía mirar de una manera distinta. Las grietas, las manchas y los desperfectos tenían una historia detrás que sólo yo conocía, una conversación con mi papá o algún recuerdo de mi mamá. Había una relación entre mi experiencia y esos espacios que quería que también estuviera presente en las imágenes.

La handycam apareció de una manera bastante natural. De hecho, gran parte del material que terminamos utilizando eran pequeños registros espontáneos que había hecho para mí misma, más que pensando en incorporarlos al montaje. Creo que eso les dio una intimidad y una cercanía que me interesaba conservar. Era una mirada que estaba muy vinculada a mi propia experiencia y a mi relación con la casa.

Por otro lado, el trabajo con Keit, nuestra directora de fotografía y coguionista, fue fundamental. Construimos un equipo pequeño y una relación de mucha confianza desde antes del rodaje. Eso nos permitió estar tranquilos frente a la cámara y tener una disposición más abierta a lo que pudiera aparecer, sin la presión de tener que producir constantemente momentos cinematográficos.

Para mí era importante que convivieran dos posiciones dentro de la película: la directora que construye una obra y la hija que está regresando a su casa. Quería que ambas pudieran existir sin que una anulara a la otra. También entendimos que, aunque estábamos haciendo una película, estábamos trabajando con mi vida y con la de mi hermano. Como equipo procuramos cuidar ese espacio de la misma manera en que cuidaríamos la intimidad de cualquier personaje documental. Y yo también tuve que aprender a cuidarme como personaje y no solamente como directora.

Planteas una pregunta importante en tu nota de dirección: cómo representar la violencia emocional sin reproducirla. ¿Qué decisiones concretas surgieron de esa inquietud al construir la película?

Creo que una de las decisiones más importantes fue entender que no necesitaba representar explícitamente toda la violencia para hablar de ella. Había experiencias a las que no quería volver y espacios de mucha vulnerabilidad que no quería exponer. En ese sentido, dejar ciertas cosas fuera de campo fue una decisión narrativa, pero también una forma de cuidado. Creo que cuando uno ha vivido en contextos similares puede reconocer muchas cosas sin necesidad de que estén representadas de manera explícita.

También me preocupaba que mi papá quedara reducido a la figura de un hombre alcohólico y violento. No quiero desconocer el daño que produjo ni mi propia experiencia con él, pero sabía que había sido mucho más que eso. Con Roberto tenemos una diferencia de dieciséis años y, por lo mismo, tuvimos experiencias muy distintas con nuestro papá. La imagen que él tenía era la de un hombre trabajador, esforzado, cariñoso y preocupado de su familia. A través de las conversaciones con él y con otros familiares pude conocer otras dimensiones de su historia que no había experimentado directamente.

Mi papá creció en un contexto de mucha violencia y precariedad: sus padres eran alcohólicos, comenzó a trabajar desde muy pequeño y tuvo que hacerse cargo de sus hermanos. Conocer esa historia me permitió entender que el alcoholismo y las adicciones no aparecen de manera aislada, sino que muchas veces están profundamente relacionados con las condiciones sociales, económicas y afectivas en las que crecen las personas.

Creo que también hay una dimensión territorial en esta historia. Yo crecí en Cauquenes y, al mirar a mi alrededor, reconocía experiencias muy parecidas en las familias de mis amigas. Me interesaba pensar estas situaciones más allá de nuestra historia particular, como fenómenos que también se relacionan con las condiciones de vida de determinados territorios y con patrones de violencia que se transmiten entre generaciones.

Me gustaría que alguien que haya vivido una historia parecida pudiera reconocerse en la película, pero también que pudiera encontrar la posibilidad de construir relaciones y vidas distintas. Creo que romper esos patrones es difícil y que no depende solamente de la voluntad individual, porque también necesitamos redes de apoyo y otras condiciones para hacerlo. En mi caso, mi mamá y mi hermano fueron fundamentales para que yo pudiera construir una experiencia distinta.

El cortometraje pasó por distintas instancias de desarrollo y work in progress. ¿Qué aportó ese recorrido y qué decisiones de montaje te ayudaron a encontrar la forma final de la película?

Nuestro paso por distintas instancias de desarrollo y work in progress fue muy importante, aunque llegamos a ellas con un proceso de montaje bastante avanzado. En ese sentido, no fueron espacios que necesariamente transformaran la estructura de la película, pero sí nos permitieron reafirmar que estábamos trabajando en una dirección que tenía sentido para nosotros.

Recibimos comentarios muy bonitos de las personas y los espacios que acogieron el proyecto. Nos importaba mucho saber que la película podía conectar con otros, que era sensible y que permitía generar empatía desde una historia tan personal. Además, obtuvimos premios que fueron fundamentales para terminarla, como el apoyo para la postproducción de color y otros reconocimientos vinculados a su distribución. También fueron instancias que nos permitieron conocer personas y abrirnos un espacio dentro de la industria audiovisual siendo un equipo de realizadores recién titulados.

En términos creativos, una de las decisiones más importantes apareció durante el montaje. En algún momento, cuando estábamos un poco atascados, alguien nos dijo que mientras más personal era una película, más universal podía volverse. Esa idea me ayudó a abrirme mucho más con la historia y a entender que no necesitaba alejarme de mi experiencia para conectar con otras personas.

De ahí surgió también la decisión de incorporar la voz en off, que apareció bastante avanzada la etapa de montaje. Sentíamos que, aunque yo estaba muy presente en las imágenes, mis reflexiones y mi propia mirada estaban quedando un poco desplazadas, mientras la experiencia de mi hermano adquiría más protagonismo. La voz en off nos permitió recuperar ese espacio y hacer más explícito qué estaba pensando y cómo estaba viviendo ese regreso.

Otro desafío importante fue encontrar una estructura para tantas horas de material y condensarlas en un cortometraje: estuvimos rodando en Cauquenes casi 14 días, y al ser una película del proceso de renovar la casa, grabamos mucho el proceso, por lo que llegamos a la sala de montaje con casi 60 horas de material. Queríamos que la película se sintiera como un viaje a través de una casa que iba cambiando, así como acompañando la reconstrucción de la imagen de mi papá. Encontrar ese recorrido fue una de las partes más complejas del montaje.

A Javier Vásquez Ampuero. Mirando el recorrido de la película, ¿cómo han pensado su circulación y qué lugar ocupa FIDOCS dentro de ese proceso?

Creemos que esta es una película que puede resonar muy bien localmente en lo narrativo y lo emocional, y estamos enfocándonos mucho en la distribución en festivales nacionales.

En ese sentido, esperamos que FIDOCS sea un lugar donde podamos vincular a la película con audiencias que busquen historias personales e íntimas como la de “Norte claro, sur oscuro”, y que puedan identificarse con sus historias personales, así como creemos que el festival puede ser el espacio que impulse la distribución del corto, y un punto de partida en la ruta de distribución nacional.

Internacionalmente, estamos postulando a festivales y esperamos que a programadores/as les haga sentido el corto, y que resuene como una historia latinoamericana luminosa sobre vínculos familiares complejos y cómo pensarlos desde el presente.

A Francisca Amigo Moraga. ¿Qué significa para ti compartir esta historia con el público y qué conversaciones te gustaría que pudiera abrir?

Es intimidante compartir una historia tan personal con el mundo, pero al mismo tiempo es la razón por la que decidí hacer esta película. Me interesa que otras personas puedan conocer a mi familia, y que puedan encontrar en ella algo de sus propias historias.

También hay una dimensión política en esta decisión. Soy una mujer de Cauquenes, de una familia de clase trabajadora, y crecí en un lugar donde el acceso a la cultura y las posibilidades de estudiar son limitados. Haber podido estudiar cine es un privilegio, pero también me hace pensar en lo difícil que puede ser para quienes venimos de estos contextos acceder a espacios como este.

Creo que es importante que podamos contar nuestras propias historias, desde los lugares que conocemos y hemos habitado, sin tener que pedirlas prestadas a otros. Me interesa abrir espacio a experiencias que muchas veces quedan fuera de las representaciones cinematográficas.

Creo que todavía existe mucho elitismo en el cine y que eso puede generar una distancia con personas que no necesariamente se sienten convocadas por las películas que se hacen. Me gustaría que “Norte claro, sur oscuro” pudiera llegar incluso a personas que no consumen habitualmente cine documental y que pudieran encontrarse con una película y pensar que también hay espacio para sus historias en una pantalla. No creo que necesitemos historias grandilocuentes para construir películas valiosas.

Por eso me entusiasma tanto pensar en otros recorridos de exhibición, más allá de los festivales y las salas habituales. Me gustaría especialmente que la película pudiera volver a la Región del Maule y llegar a Cauquenes, que mi familia pudiera verla y que también pudieran verla personas del lugar donde nació esta historia.

En cuanto a las conversaciones que me gustaría abrir, me interesa que podamos hablar del duelo, de la violencia generacional, del alcoholismo, de la pobreza y de los contextos que atraviesan nuestras historias familiares. Pero también de la ternura, de los vínculos que nos ayudan a construir otras formas de relacionarnos y de la posibilidad de que nuestras historias no determinen para siempre nuestras vidas.

Finalmente, me gustaría ver más películas hechas por realizadores y realizadoras de regiones, especialmente por mujeres que cuentan historias desde sus propios territorios y experiencias. Creo que necesitamos ampliar quiénes hacen cine, desde dónde lo hacen y qué historias consideramos dignas de llegar a una pantalla.

Funciones en Santiago y Viña del Mar

• FIDOCS 30. Estreno mundial el martes 17 de noviembre a las 17:45 h en Centro Arte Alameda – Sala CEINA, Santiago. El corto integra el Programa 2 de la Competencia Nacional de Cortos Emergentes. Habrá una conversación con el público al finalizar.
• FICVIÑA 2026. Miércoles 25 de noviembre a las 17:30 h en Cinemark Mall Marina Arauco, Viña del Mar, en la Competencia Habitar.

Esta entrevista forma parte del especial de Bitácora de Cine sobre “Norte claro, sur oscuro”, realizado en el marco del premio de cobertura editorial recibido por el proyecto en FECICH Cine en Construcción 2026.

La programación puede sufrir cambios. Revisa la información oficial antes de asistir.